Gracias por su Atencion!!!!!!!!!!
Corrientes de Composición hasta la Aparición de la Música de Vanguardia
presentado por:
Jorge Farquez V.
Adolphus Hall
Música de Vanguardia
La música de vanguardia, también conocida como música experimental, es un género que se caracteriza por desafiar las convenciones musicales establecidas y explorar nuevos enfoques en términos de sonido, estructura y concepto. A menudo se asocia con la búsqueda de la innovación y la experimentación, y puede abarcar una amplia variedad de estilos y técnicas.
Estos son solo algunos ejemplos de compositores asociados con la música de vanguardia. La música de vanguardia es un campo amplio y diverso, y ha dado lugar a numerosos movimientos y enfoques experimentales a lo largo del tiempo.
Morton Feldman (1926-1987):
Feldman fue un compositor estadounidense que exploró la música minimalista y aleatoria en su obra. Sus composiciones a menudo son de larga duración y se centran en cambios sutiles en la textura y el timbre.
Luciano Berio (1925-2003):
Berio fue un compositor italiano que experimentó con diferentes estilos y técnicas en su música. Su obra incluye composiciones electrónicas, música aleatoria y exploraciones de la voz humana, como en su obra "Sinfonia".
Música Contemporanea
Dentro del ámbito de la música contemporánea, se encuentran compositores que trabajan en una variedad de estilos y enfoques, incluyendo música electroacústica, música aleatoria, música mixta, música de vanguardia, entre otros.
Pierre Boulez (1925-2016):
Boulez fue un compositor y director de orquesta francés que influyó significativamente en el desarrollo de la música contemporánea. Su obra abarca desde el serialismo hasta la música electrónica y la improvisación controlada.
György Ligeti (1923-2006):
Ligeti fue un compositor húngaro que experimentó con técnicas como la textura micropolifónica y el uso de estructuras rítmicas complejas. Es conocido por obras como "Atmosphères" y "Lux Aeterna".
En cuanto a la música contemporánea, es un término amplio que se refiere a la música compuesta en los tiempos actuales y abarca una amplia variedad de estilos y enfoques. La música contemporánea abraza la experimentación, la fusión de géneros y estilos, y la incorporación de nuevas tecnologías.
El Minimalismo
El minimalismo es un movimiento musical que surgió en la década de 1960 y se caracteriza por el uso de estructuras y repeticiones simples, texturas transparentes y énfasis en los procesos de transformación gradual. La música minimalista busca reducir los elementos musicales a su esencia, con patrones rítmicos y melódicos repetitivos y una atención particular en el sonido y la percepción del tiempo.
Algunos compositores destacados asociados con el minimalismo son:
Steve Reich:
Reich es considerado uno de los pioneros del minimalismo. Sus obras, como "Music for 18 Musicians" y "Piano Phase", utilizan repeticiones y desplazamientos rítmicos para crear una sensación hipnótica y gradualmente cambiantes.
Terry Riley:
Riley es conocido por su obra "In C", una pieza icónica del minimalismo que consiste en una serie de patrones musicales superpuestos que los intérpretes pueden interpretar en diferentes ordenamientos y duraciones.
Música Experimental
o Aleatoria
Estos son solo algunos ejemplos de compositores destacados en el ámbito de la música experimental o aleatoria. La música experimental abarca una amplia variedad de enfoques y estilos, y sigue siendo una forma de exploración y expresión creativa en la música contemporánea.
Iannis Xenakis (1922-2001):
Xenakis fue un compositor griego y arquitecto conocido por su enfoque matemático y científico en la composición musical. Sus obras experimentales exploran texturas y estructuras sonoras complejas.
Cornelius Cardew (1936-1981):
Cardew fue un compositor y músico británico asociado con el movimiento de música experimental y la música política. Sus obras como "The Great Learning" involucran la participación de grandes grupos de intérpretes y técnicas de improvisación.
La música experimental o aleatoria es un enfoque compositivo que se basa en la exploración de sonidos y estructuras musicales no convencionales, desafiando las normas y convenciones tradicionales de la música. Se caracteriza por la incorporación de elementos como la improvisación, la indeterminación, la aleatoriedad y el uso de técnicas extendidas.
Muisca electrónica
La música electrónica es un género musical que se caracteriza por el uso de instrumentos electrónicos y tecnología para la producción y manipulación del sonido. La música electrónica abarca una amplia gama de estilos y subgéneros, desde la música electrónica de baile hasta la música ambiental y experimental.
El desarrollo de la música electrónica se remonta al siglo XX, con avances tecnológicos como la invención de los sintetizadores, los secuenciadores y las grabadoras de cinta. Algunos compositores pioneros en el ámbito de la música electrónica incluyen:
Kraftwerk:
Este influyente grupo alemán, formado en 1970, fue pionero en el uso de sintetizadores y secuenciadores en la música popular. Su estilo de música electrónica futurista y minimalista sentó las bases para el desarrollo de géneros como el techno y el electro.
Jean-Michel Jarre:
Jarre es un compositor y músico francés famoso por sus elaboradas presentaciones en vivo y su enfoque en la música electrónica melódica. Es conocido por sus álbumes "Oxygène" y "Équinoxe", que ayudaron a popularizar la música electrónica a nivel mundial.
Serialismo
década de 1920 hasta la década de 1950.
Aquí tienes algunos otros compositores destacados del periodo del serialismo musical:
Karlheinz Stockhausen (1928-2007):
Stockhausen fue un compositor alemán conocido por su trabajo en música electrónica y serialismo integral. Sus obras, como "Kontakte" y "Gruppen", son ejemplos notables de su exploración de nuevas posibilidades sonoras dentro del serialismo.
Anton Webern (1883-1945):
Discípulo de Arnold Schoenberg, Webern es conocido por su enfoque riguroso y conciso del serialismo. Sus obras, como las "Cinco piezas para orquesta, Op. 10" y "Concierto para nueve instrumentos, Op. 24", son ejemplos destacados de su estilo serial.
El serialismo es un estilo o técnica compositiva que surgió en la segunda mitad del siglo XX, especialmente asociado con el compositor austriaco Arnold Schoenberg y sus seguidores. También se conoce como "música dodecafónica" o "serialismo integral". El serialismo se caracteriza por el uso de series de doce tonos, llamadas "series dodecafónicas", que consisten en las doce notas de la escala cromática sin repetirse. Estas series se manipulan y se organizan para establecer una base estructural en la composición musical.
El Periodo Neoclásico
entre las décadas de 1920 y 1950
El periodo neoclásico en la música representa un intento de volver a las raíces clásicas y encontrar un equilibrio entre la tradición y la innovación. Aunque es más prominente en las primeras décadas del siglo XX, su influencia y características se extendieron más allá de ese periodo.
Fue una reacción al estilo romántico y a las tendencias de la música del siglo XIX y buscó recuperar las formas y estructuras musicales del periodo clásico, especialmente del siglo XVIII.
Estos compositores son solo algunos ejemplos de compositores destacados del periodo neoclásico. Cada uno de ellos contribuyó con su estilo y enfoque personal al desarrollo de la música neoclásica y dejó una huella significativa en el panorama musical del siglo XX.
Arthur Honegger (1892-1955):
Honegger, compositor suizo-francés, exploró el neoclasicismo en muchas de sus obras, combinando influencias clásicas con elementos modernos. Su "Sinfonía n.º 2" y su "Concierto para violonchelo" son obras neoclásicas destacadas.
Bohuslav Martinů (1890-1959):
Martinů, compositor checo, incorporó elementos del neoclasicismo en su música, utilizando formas y estructuras clásicas con un enfoque moderno. Su "Sinfonía n.º 1" y su "Concierto para dos pianos y orquesta" son ejemplos representativos de su estilo neoclásico.
El expresionismo musical y la atonalidad están estrechamente relacionados en el contexto del desarrollo musical del siglo XX.
El expresionismo musical, por su parte, se centra en la expresión de emociones intensas y subjetivas, a menudo transmitiendo un sentido de angustia, ansiedad o tensión emocional. Los compositores expresionistas buscaban ir más allá de la música tradicional y buscar nuevas formas de expresión musical.
Estos compositores son solo algunos ejemplos de aquellos asociados con el estilo antonal y expresionista en el periodo del siglo XX. Cada uno de ellos hizo contribuciones significativas a la música de su época y dejó un impacto duradero en la música contemporánea.
Hanns Eisler (1898-1962):
Eisler fue un compositor y teórico musical alemán, conocido por su asociación con la música política y su trabajo con el cine. Sus composiciones abarcan una variedad de estilos, desde atonales y expresionistas hasta más accesibles desde el punto de vista tonal.
Alexander von Zemlinsky (1871-1942):
Zemlinsky fue un compositor austrohúngaro y cuñado de Schoenberg. Su música temprana mostraba influencias wagnerianas, pero más tarde adoptó la atonalidad y el estilo expresionista en obras como "Lyric Symphony" y "Der Zwerg".
La atonalidad es una técnica compositiva que se caracteriza por la ausencia de una tonalidad clara o centro tonal establecido. En lugar de basarse en una escala tonal tradicional, los compositores atonales exploran combinaciones de notas y acordes que rompen con las normas tonales convencionales.
El expresionismo y la atonalidad fueron reacciones a las convenciones musicales del período romántico y la tonalidad tradicional. Estas nuevas formas de expresión musical permitieron a los compositores explorar una gama más amplia de emociones y texturas sonoras, y allanaron el camino para el desarrollo de corrientes musicales posteriores, como el serialismo integral y la música electrónica.
El Impresionismo Musical
finales del siglo XIX y principios del siglo XX,
El impresionismo musical se caracteriza por su enfoque en la atmósfera, la sutileza y la sugerencia, en lugar de la estructura formal y la narrativa musical tradicional. Los compositores impresionistas buscaban capturar momentos fugaces y sensaciones efímeras, creando paisajes sonoros evocativos y pintorescos.
Los compositores impresionistas buscaron crear música que evocara imágenes y estados de ánimo similares a los de las pinturas impresionistas, utilizando armonías evocadoras, texturas etéreas, colores sonoros y técnicas compositivas innovadoras.
Claude Debussy es considerado uno de los principales exponentes del impresionismo musical. Sus obras, como "Preludio a la siesta de un fauno" y "Claro de luna", son ejemplos destacados de la estética impresionista. Otros compositores impresionistas incluyen a Maurice Ravel, con su famoso "Bolero" y "Daphnis et Chloé", y Erik Satie, con sus "Gymnopédies" y "Gnossiennes".
Ottorino Respighi (1879-1936):
Respighi, aunque de nacionalidad italiana, se inspiró en el impresionismo francés. Su trilogía de poemas sinfónicos "Los Pinos de Roma", "Las fuentes de Roma" y "Los festivales de Roma" muestra su uso de texturas orquestales coloridas y evocadoras.
Gabriel Fauré (1845-1924):
Aunque Fauré no se considera estrictamente un compositor impresionista, su música muestra influencias del estilo. Sus obras, como sus "Nocturnos" y "Pavane", exhiben una sensibilidad delicada y una exploración de armonías evocadoras.
El Posromanticismo
finales del siglo XIX y principios del siglo XX
Algunos compositores asociados con el posromanticismo incluyen a Gustav Mahler, Richard Strauss, Alexander Scriabin, Sergei Rachmaninoff y Jean Sibelius, entre otros. Cada uno de estos compositores tenía su propio estilo distintivo y dejó una marca importante en la música de la época.
Alexander Glazunov (1865-1936):
Glazunov fue un compositor ruso y uno de los últimos exponentes del periodo posromántico. Es conocido por sus sinfonías, ballets y obras para orquesta, como su famoso ballet "Raymonda".
Alexander Scriabin (1872-1915)
fue un compositor y pianista ruso conocido por su música única y vanguardista. Es considerado uno de los compositores más importantes del posromanticismo y se le atribuye haber sentado las bases para el desarrollo del modernismo musical.
Se caracterizó por una continuidad de las características románticas pero con algunas exploraciones hacia nuevas formas de expresión musical.
En el posromanticismo, se mantuvo el enfoque en la expresividad emocional y la individualidad artística que se encontraba en el período romántico, pero también se incorporaron elementos de experimentación armónica y cromática que anticipaban el lenguaje musical del impresionismo y el modernismo.
Período Pomántico
principios del siglo XIX hasta principios del siglo XX.
Algunos compositores destacados del período romántico incluyen a Ludwig van Beethoven, Franz Schubert, Frédéric Chopin, Robert Schumann, Franz Liszt, Johannes Brahms, Piotr Ilich Tchaikovsky, Richard Wagner, Gustav Mahler y Claude Debussy, entre otros.
Hector Berlioz (1803-1869):
Berlioz fue un compositor francés conocido por su obra sinfónica "Sinfonía Fantástica" y su ópera "Los troyanos". Es considerado uno de los pioneros del programa musical y la orquestación innovadora.
Sergei Rachmaninoff (1873-1943):
Rachmaninoff fue un compositor ruso conocido por sus obras para piano, como sus conciertos para piano y sus preludios. Su música es romántica y virtuosa.
Fue un período de profundos cambios y transformaciones en la música occidental, donde se buscaba una mayor expresividad, individualidad y emoción en la composición musical.
Se caracterizó por la Expresividad emocional, individualismo y subjetividad, ampliación delas formas musicales, nacionalismo, desarrollo técnico de la orquestación.
El período romántico de la música fue una época de gran innovación y exploración emocional en la música occidental. Sus obras continúan siendo interpretadas y apreciadas en la actualidad debido a su profundo impacto y belleza.
El período Clásico
mediados del siglo XVIII hasta principios del siglo XIX.
El período de la música clásica se caracterizó por un enfoque en la claridad, el equilibrio y la proporción en la música. Se buscaba un estilo más controlado y ordenado en comparación con el estilo ornamentado y emotivo del período barroco anterior.
Algunas características destacadas del período de la música clásica incluyen: Formas musicales, Orquestación, Melodía y Armonía, Equilibrio y Proporsión
El período de la música clásica marcó una transición significativa en la música occidental, presentando un estilo más equilibrado y controlado en comparación con el período barroco anterior. La música clásica sentó las bases para el desarrollo posterior de la música romántica y sigue siendo ampliamente apreciada y estudiada en la actualidad.
Algunos compositores destacados del período de la música clásica incluyen a Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn, Ludwig van Beethoven, Franz Joseph Haydn y Christoph Willibald Gluck, entre otros.
Muzio Clementi (1752-1832):
Clementi fue un compositor y pianista italiano que fue uno de los primeros virtuosos del piano. Sus sonatas para piano son obras importantes del repertorio pianístico clásico.
Carl Maria von Weber (1786-1826):
Weber fue un compositor alemán conocido por sus óperas, siendo la más famosa "El cazador furtivo". Fue un precursor del Romanticismo musical.
Rococó
Primera mitad del siglo XVIII
El Rococo Se caracterizó por una mezcla de elementos del barroco tardío con los nuevos estilos que se estaban gestando.
En la música, el Rococó se reflejó en formas musicales más íntimas y ligeras, como las suites de danzas, las sonatas y las obras para instrumentos solistas. Los compositores exploraron una paleta de colores más suaves y sutiles, con una menor dependencia de los efectos virtuosos y la pomposidad barroca.
Algunos compositores que se asociaron con el periodo del Rococó incluyen a Johann Joachim Quantz, Johann Christian Bach y Carl Philipp Emanuel Bach. Estos compositores contribuyeron a la evolución del estilo musical y sentaron las bases para el posterior desarrollo del período clásico.
Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788)
fue un compositor y músico alemán del período barroco y preclásico. También conocido como C.P.E. Bach, fue el segundo hijo de Johann Sebastian Bach y uno de los compositores más influyentes de su época.
C.P.E. Bach desarrolló un estilo musical que sirvió como puente entre el estilo barroco de su padre y el estilo clásico posterior. Sus obras muestran una mayor expresividad emocional y una mayor libertad en la estructura musical en comparación con la música estrictamente barroca. Fue uno de los principales exponentes del estilo "empfindsamer Stil" (estilo sensible), que buscaba evocar y expresar emociones profundas en la música.
Johann Joachim Quantz (1697-1773)
fue un compositor y flautista alemán del periodo barroco y rococó. Es conocido principalmente por su contribución como flautista y por su tratado "Versuch einer Anweisung die Flöte traversiere zu spielen" ("Ensayo sobre la técnica de tocar la flauta travesera"), que se convirtió en una obra de referencia para los flautistas de la época.
Periodo Barroco
Principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII.
1600 hasta 1750.
Algunos compositores destacados del período barroco incluyen a Johann Sebastian Bach, George Frideric Handel, Antonio Vivaldi, Claudio Monteverdi y Henry Purcell, entre otros.
Jean-Philippe Rameau (1683-1764):
Rameau fue un compositor francés y teórico musical. Sus contribuciones a la ópera y la música para teclado lo convierten en uno de los compositores más influyentes del período barroco tardío.
Jean-Baptiste Lully (1632-1687):
Lully fue un compositor francés de origen italiano conocido por su trabajo en la corte de Luis XIV. Es considerado uno de los pioneros de la ópera francesa y fue un importante impulsor del estilo musical francés durante el Barroco.
La música barroca se caracterizó por una ornamentación elaborada, el uso de contrastes dinámicos y emocionales, así como por una mayor complejidad en la armonía y la estructura musical. Durante este período, se produjeron avances significativos en la técnica y la práctica musical.
Algunos géneros y formas musicales destacados del período barroco incluyen: Ópera, Música instrumental, Música coral y religiosa, Suite El período barroco se considera una época de gran innovación y desarrollo en la música occidental, sentando las bases para los estilos musicales posteriores y dejando un legado musical duradero.
Siglo XV - Renacimiento:
XV hasta principios del siglo XVII
El Renacimiento musical
Se caracterizó por una renovación en la música en relación con la música medieval anterior. Se produjeron importantes avances en la teoría musical, la composición y la práctica interpretativa. Algunos de los aspectos más destacados del Renacimiento musical incluyen:
Polifonía, Humanismo y música secular, Madrigal (forma musical), desarrollo de la armonía.
El Renacimiento musical marcó un período de florecimiento artístico y un cambio significativo en la música occidental, sentando las bases para los desarrollos posteriores en los períodos barroco y clásico.
Algunos compositores destacados del Renacimiento incluyen a Josquin des Prez, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlando di Lasso, Thomas Tallis y Claudio Monteverdi, entre otros.
Claudio Monteverdi,
cuyo nombre completo era Claudio Giovanni Antonio Monteverdi, fue un compositor, violagambista, cantante, director de coro y sacerdote italiano.
Thomas Tallis
fue un compositor inglés de música sacra, uno de los más importantes del siglo XVI.
Nacimiento: 30 de enero de 1505, Kent, Reino Unido
Fallecimiento: 23 de noviembre de 1585, Greenwich, Reino Unido
Ars Subtilior
finales del siglo XIV y principios del siglo XV. Aunque no hay fechas precisas que marquen su inicio y finalización, se considera que este estilo musical se desarrolló aproximadamente entre los años 1370 y 1420.
Los compositores del Ars Subtilior buscaban desafiar los límites musicales establecidos y explorar nuevas formas de expresión. Utilizaron complejas notaciones y técnicas musicales para lograr efectos expresivos y emocionales.
Algunos compositores destacados asociados con el Ars Subtilior incluyen
Philippus de Caserta,
también conocido como Philipoctus, Filipoctus, Filipotto da Caserta o Felipe de Caserta, (fechas desconocidas, siglo xiv) fue un teórico de la música y compositor medieval relacionado con el estilo manierista denominado ars subtilior. Algunas de sus composiciones se han conservado en el Codex de Chantilly, el Códice de Módena y el Codex Reina.
Matteo da Perugia
(Perusa, (Italia) a mediados del s. XIV — Milán, 1418, o incluso más tarde), fue un compositor medieval italiano, de los más tardíos cultivadores, junto con Iohannes Ciconia, del estilo Ars subtilior. También fue conocido como Mateo de Perusa (en España) y Matheus de Perusio (en Francia y Alemania).
El término "Ars Subtilior" se refiere a la "arte más sutil" o "arte más refinado", y representa una evolución y una especie de reacción al Ars Nova. Este estilo musical se caracterizó por su escritura musical altamente elaborada, complejas relaciones rítmicas y el uso de disonancias disimuladas.
Es considerado un puente entre el Ars Nova y el Renacimiento musical, su legado musical ha sido objeto de estudio y apreciación por parte de los musicólogos y amantes de la música medieval y renacentista.
ARS NOVA
segunda mitad del siglo XIII hasta la primera mitad del siglo XV
El Ars Nova fue un movimiento musical que surgió en el siglo XIV en Europa occidental. Se desarrolló principalmente en Francia y se caracterizó por la introducción de nuevas técnicas y formas musicales, así como por una mayor complejidad rítmica y melódica
El término "Ars Nova" fue acuñado por el teórico musical Philippe de Vitry en su tratado "Ars nova notandi" (1352), donde describió las innovaciones musicales de su tiempo. El período del Ars Nova abarca aproximadamente desde la segunda mitad del siglo XIII hasta la primera mitad del siglo XV.
Estos son solo algunos ejemplos de compositores destacados del período del Ars Nova. Cada uno de ellos contribuyó de manera significativa al desarrollo de la música en esa época y dejó un legado duradero en la historia musical.
Johannes Ciconia (c. 1370-1412):
Ciconia fue un compositor y teórico musical italiano que trabajó en las cortes de Italia y Francia. Sus composiciones son notables por su experimentación con nuevas técnicas, como el uso de cadencias y la incorporación de elementos de la música italiana.
Guillaume de Machaut (c. 1300-1377):
Machaut fue uno de los compositores más influyentes del Ars Nova. Escribió en diversos géneros musicales, incluyendo la música sacra y la música secular. Sus composiciones son conocidas por su riqueza melódica y contrapuntística.
ARS ANTIGUA
Siglo XII hasta la primera mitad del siglo XIV
Estos son solo algunos ejemplos de compositores destacados de la Ars Antiqua.
Perotin (fl. siglo XII):
Perotin, también conocido como Pérotin el Grande, fue un compositor francés que continuó el trabajo de Leonin en Notre-Dame. Se le atribuye la creación del estilo de organum cuadruplum y desarrolló la técnica de composición conocida como discanto.
Leonin (fl. siglo XII):
Leonin fue un compositor y teórico musical francés conocido por sus contribuciones a la polifonía temprana. Es especialmente reconocido por sus trabajos en la Catedral de Notre-Dame en París, donde desarrolló el estilo de organum melismático.
Durante la Ars Antiqua, se desarrollaron y establecieron muchas de las características básicas de la música medieval. Este período se caracterizó por la polifonía, la cual consistía en la superposición de diferentes líneas melódicas independientes. La música estaba basada en modos musicales y se utilizaban diversas formas como el organum y el conductus.
