a JEIMY SOLER 7 hónapja
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El número de escenarios donde actuar, en los que mirar y ser visto, ha conocido un abrumador aumento con la proliferación de monitores, cámaras y otros espacios públicos al alcance de todos
El fenómeno de la representación, es decir, la dinámica de engaño o fingimiento que se va a desarrollar
Se trata de algo procesual, que solo tiene realidad mientras está funcionando
Lo fundamental en el efecto de la teatralidad es que esta dinámica de engaño ofingimiento se haga visible
Teatralidad en la obras teatrales
una reflexión en profundidad sobre la vida, la realidad y la historia en tanto que mecanismos de representación
Todo fenómeno de teatralidad se construye a partir de un tercero que está mirando
Lo cómico sustituye lo trágico
Uso escénico de lo grotesco
Se nutre de movimientos como:
Simbolismo
Constructivismo
Futurismo
Para que el teatro alcanzara su autonomía era necesario concebir la posibilidad de una creación escénica que no necesitara de la obra del dramaturgo
Desacralizar el carácter intocable del texto de un autor
Aparición de los directores escénicos
Meyerhold define la construcción de un teatro total, denominando escenología a la ciencia que estudia todos los elementos que contribuyen a la producción del espectáculo
fines sociales y políticos a través del teatro
Se crean lazos entre el teatro y la danza
La revolución industrial, el acceso y la propagación de los mass media, la globalización contemporánea y la producción económica capitalista afectaron directamnete a la transformación de las practicas artísticas
Sin perder la esencia del espectáculo de lo extraordinario y de la búsqueda del asombro, el nuevo circo presenta actos de un espectáculo extraordinario junto con una plasticidad, es decir, hay una estetización del espectáculo circense, cumpliendo así una función estética.
El circo no necesita obligatoriamente estar en el espacio de la carpa, ahora ocupa espacios escénicos como los teatros, auditorios o foros culturales.
Se le abre las puertas a la inclusión de nuevas disciplinas como el performance, la instalación artística y las artes visuales
Se incluye una temática o historia
Se deja de lado las pretensiones de mostrar un espectáculo de riesgo y la dificultad de los actos, y se exalta la maravilla de la destreza humana, es más importante la belleza de la ejecución
Se inserta el teatro y la danza como principales motores junto con la música.
El nuevo circo enfatiza aspectos como la escenografía, la iluminación, el vestuario, el maquillaje y accesorios
En 1927 se anuncia en Moscú la apertura de la primera escuela de circo
Los soviéticos elaboran la "Teoria general del circo y dividen la actividad circense soviética en 8 especialidades básicas: acrobacia, gimnasia, malabarismo, equilibrio, atletismo, comicidad, domo de animales, magia y mnemotecnia (telepatía).
Las artes circenses ya no son exclusivas de la tradición familiar
la transmicion del conocimiento se produce por tradición oral, de generación en generación
Los artistas nacen el circo y allí aprenden las tecnicas artisticas heredades por sus padres y abuelos
La identidad del cirquero se configura por su relación con el trabajo en la carpa, el trabajo comunitario, la ejecución del número, y la responsabilidad del show al público
Circo y familia estan dialectimante relacionados confundiendose en una misma realidad
El circo contemporáneo realiza el ejercicio de deconstrucción del concepto de cuerpo heroico a través de la pérdida del dominio. Como todas las artes posmodernas, el circo contemporáneo establece un diálogo constante con las premisas de su disciplina: el peso y la gravedad en el espacio, y la dificultad de controlarlos.
El discurso del payaso,frente al discurso serio, se consideracomo un discurso ante la vida y por tanto “podemos encontrar como plantemos, la existencia de una corporalidad que resista desde lo cómico a las corporalidades dominantes.” la risa conforma la corporalidad del payaso como característica principal.
Trae consigo rarezas humanas como reclamo para el espectador, la exhibición de dicha corporalidad en escena alimenta el sadismo del público.
Un cuerpo capaz de vencer todo tipo de límites corporales y que siempre sorprende al espectador. Concebido como un cuerpo sacrificado que diferencia esteriotipadamente las características que definen a los hombres y a las mujeres en sus disciplinas
“El circo es el arte de los cuerpos en movimiento dentro de un espacio que hay que dominar para poder superarse. Y esa posición, ese entero compromiso del cuerpo, influye al tiempo que condiciona toda la creación”(Ricardes & Cruz, 2014, p. 45
A partir de allí, el circo evoluciona, se sofistica y se expande por todo el mundo, hasta convertirse en lo que conocemos en la actualidad
El espectáculo circense cuenta por primera vez con un espacio específico para llevar a cabo sus representaciones
Las compañías ambulantes legalizaron sus actividades y su llegada era esperada con gran expectación cuando instalaban sus carpas en las plazas y recorrían las calles de los pueblos. Es en aquel momento cuando surge la figura del "saltimbanqui.
las artes circenses y acrobáticas adquirieron mayor importancia, y las compañías recorrían las ciudades danzando al son de la música y realizando juegos malabares.
Subtópico
Diversión popular, espectáculo y entretenimiento.
En época romana, el "circo" es el espacio destinado a los juegos públicos, como las luchas de gladiadores, las batallas navales (conocidas como naumaquias) o las competiciones ecuestres y de carros en las que la sangre corría en abundancia para deleite de los espectadores.
Hacia el año 3.000 a C., en China, Mongolia y la India ya existían malabaristas, acróbatas y contorsionistas
Unas de las pruebas más antiguas de la existencia algo parecido la podemos encontrar en un mural descubierto en una tumba de Beni Hassan
Muy posiblemente estas prácticas estaban relacionadas a menudo con rituales religiosos y prácticas festivas.
Transformación significativa
La danza se aleja de las estructuras tradicionales y se abre a la experimentación y fusión de estilos.
Arte liquido en la danza
El arte solido buscaba "inmortalizar" al artista.
El arte líquido es un arte efímero, escurridizo. En la danza actual se presenta a través de las instalaciones, happenings, performances que establecen unas relaciones espacio-temporales de corta durabilidad.
Algunos aspectos son:
Fusión de estilos.
Se produce una fusión de estilos de danza, rompiendo con las barreras tradicionales entre la danza clásica, la contemporánea y otras formas de expresión corporal.
Enfoque de la improvisación
La improvisación gana importancia en la danza posmoderna, los bailarines tienen más libertad de explorar el movimiento de manera expontánea.
interdiciplinariedad
La danza se entrelaza con otras disciplinas artísticas, como la música, el teatro, las artes visuales y la tecnología.
Exploración de temas sociales y políticos
Abordan temas contemporáneos de forma crítica.
Diversidad de cuerpos.
cuerpos de diferentes formas, orígenes étnicos.
Experiencia del espectador.
Inclusión del espectador en la obra.
Décadas 70s y 80s
La danza contemporánea y la fusión de diferentes estilos y disciplinas.
décadas 50s y 60s
Épocafundamental para la transición hacia la posmodernidad en la danza. coreógrafos como Marce Cunningham y Martha Graham desafiaron las narrativas lineales y tradicionales.
Finales del siglo XIX
Isadora Duncan y St. Denis comenzaron a desafiar las convenciones establecidas de la danza, introduciendo nuevas dinámicas de movimiento.
La danza y sus rupturas con la modernidad
Los artistas de la danza moderna, fueron innovadores dentro de sus propuestas, porque hacían una ruptura con el establishment, al crear ideas que hacen aparecer elementos distintos dentro de la danza: la reivindicación del sujeto que, con el movimiento, expresa una serie La danza líquida en la de significados poieticos.
Martha Graham, quien crea un estilo dramático en el cual predominan gestos y contorsiones del tronco (contraction and release)
La danza, junto con el sonido y el ritmo, es una de las primeras manifestaciones simbólicas de la humanidad, ante lo desconocido.
La puesta en escena contemporánea agrupa, organiza y sistematiza los componentes de la representación, siendo el espectador el que entra en juego comprometiendo su propio universo simbólico íntimamente ligado a sus emociones y sensaciones generadas por la multiplicidad y simultaneidad de los signos que componen la escena.
La intencionalidad... como una tendencia, como una disposición, como una voluntad de proponer, de transformar con la acción que se sirve de técnicas dancísticas para gestar su propio discurso, sus narrativas particulares, sus metáforas y sus emergencias
La danza contemporánea, un hablar liberador del “presente” y como tal un reflejo de la actualidad, es el mejor argumento que tenemos para que partiendo del lenguaje técnico, se genere la posibilidad de inventar sustantivos, verbos o adjetivos particulares propios de la narrativa poética de los sujetos que habitan un espacio y un tiempo histórico propio, y participen activamente en la construcción de su cultura sin usar lenguajes prestados.
Danza contemporánea: Técnica o tendencia
el estilo, es decir, la coherencia puramente estética que se agota en la imitación, siendo la “forma” del arte que produce la industria cultural: identificación con la fórmula, repetición de la fórmula. Reducido a cultura el arte se hará “accesible al pueblo como los parques”, ofrecido al disfrute de todos, introducido en la vida como un objeto más
La danza contemporánea, como medio de acercamiento al evento vital que respeta lo particular, lo intensamente humano, lo que no es susceptible de normatizar, es una fuerza expresiva que construye simbologías comunes desde su interés por explicarse al hombre en su acción social, sin pretender inscribirlo en un espacio pre-determinado y pasivo.
Cuerpo mediador - movimiento finalidad
El hombre se mueve porque está diseñado corporalmente para hacerlo y porque de su movimiento depende la posibilidad de relacionarse con otros hombres, con los eventos y con los objetos y, por lo tanto, construye una forma particular de vivir y de actuar como ser social.
El cuerpo del bailarín se aleja del cuerpo orgánico, dejando a la mirada como órgano, para abrir al cuerpo a conexiones, uniones y circuitos. Se establece como sujeto experimental, para desanudarse del organismo como cuerpo.
