LOS ESTILOS MUSICALES DEL SIGLO XX.

Nacen las primeras modificaciones del lenguaje musical.

Estas se distinguen por una ruptura y un desarrollo, con nuevos enfoques del sonido.

Rebelión contra la armonía.

Liberación de las funciones armónicas.

Ruptura de las cadenas propias de la armonía tradicional (nuevas técnicas de composición).

Los tonos mayores y menores fueron abandonados.

Es una manifestación de ruptura, que se presentó con mucha fuerza en Alemania, alimentada por las luchas sociales y por choques ideológicos.

El término expresionista ha sido usado para calificar una obra cargada de color, violencia y dramatismo, no siempre escrita atonalmente.

Atonalismo libre: lenguaje musical no organizado, uso del cromatismo, suprime las cadenas y valora la disonancia.

Dodecafonismo: es una serie de 12 sonidos de la escala cromática, puestos al azar, sin repetir ninguna
nota mientras no termine la serie.

"Príncipe"; del Expresionismo: Schoenberg.

Claude Debussy: La Mer.

Maurice Ravel: El Bolero.(s)

la música atonal es toda aquella que no sigue las reglas de tonalidad o
un centro tonal.

La música atonal comenzó a escribirse conceptualmente a finales
del siglo XIX y se exploró con mayor profundidad durante el siglo XX.

Arnold Schoenberg: Variation Opus 31, The Glenn.

No posee una tonalidad o un centro tonal.

No se sigue una progresión armónica convencional.

Se vale de elementos como la altura, el carácter de ataque, la intensidad y la duración par ala creación de texturas y movimiento.

Utiliza juegos sofisticados del contrapunto.

El término se asocia más a menudo con procedimientos en los que el
elemento de azar implica un número relativamente limitado de posibilidades.

Es música que nunca suena igual cada vez que se vuelve a interpretar. Está presente el azar como parte de la interpretación.

Consiste en dejar parte de la obra para la improvisación del intérprete. Se combina con elementos como palmadas, gritos y ruidos de la calle Principal exponente: John Cage,
el cual crea el piano preparado (colocaencima de las cuerdas objetos para cambiar los
sonidos).

John Cage: Prelude for Meditation, Work for
Percusion.

La música Concreta es considerada como la primera manifestación musical que utiliza medios
electrónicos.

Este tipo de música parte del ruido o los sonidos naturales. Su origen se remonta a 1948, cuando en el Estudio de la Radiodifusión Francesa, Pierre Schaeffer ofreció sus Estudios de Ruidos.

Se basa en el desarrollo tecnológico de la música (ampliación de la tesitura y potencia sonora, nuevas técnicas de interpretación).

Son sonidos grabados de instrumentos convencionales o ruidos de la calle que luego son
manipulados y reproducidos por medio de aparatos electroacústicos.

El compositor puede manipular el
sonido.

Utiliza sonidos del ambiente.

Pierre Boulez y Karlheinz
Stockhausen.

es una corriente artística musical que sucedió a principios del siglo XX, a partir de la influencia del atonalismo libre. 

el dodecafonismo ninguna nota es más importante o básica estructuralmente, sino que las 12 notas de la escala (las 7 notas más los semitonos) son tratadas igualitariamente. De ahí el nombre de dodecafonismo, los 12 sonidos de la escala cromática completa.

Proviene del atonalismo libre.

Utiliza las 12 notas de la octava, la escala cromática de manera igualitaria.

Las notas no tienen una función estructural definida.

No se utiliza ninguna escala base para la composición.

Schoenberg.

Método de composición que surge en el siglo XX como desarrollo del dodecafonismo, el creador del serialismo es el austríaco Anton von Webern.

se establece un orden no sólo para la sucesión de las diferentes alturas, sino para la sucesión  de las diferentes duraciones (las "figuras", como la negra, corchea, etc.) y la sucesión de las dinámicas (los niveles de intensidad sonora).

adquieren mayor flexibilidad rítmica, añadiendo- o suprimiendo- valores.

su música es la del “ritmo no-retrógrado” o de estructuras rítmicas simétricas.

Wolfgang Fortner,
Ernst Krenek,
Luigi nono,
Bruno Maderna.

La libertad absoluta armónica y rítmicamente (respetando unos parámetros previamente fijados, pero manipulables en cualquier momento).

Un tempo más libre, y con capacidad de un rubato a gusto del intérprete (siempre respetando las indicaciones del autor).

Utilización de los modos, introduciendo numerosas variaciones de cada uno, e incluso
inventándolos (como en la obra Syrinx para solo de flauta de Claude Debussy).

No sólo se utilizan modos clásicos, ya que también es muy frecuente encontrar escalas propias de diferentes etnias (Como en el tercer movimiento de Ma mère l’oye de Maurice Ravel, Laideronnette, l’impératrice des Pagodes).

Claude Debussy,
Maurice Ravel,
Erik Satie,
Joaquín Turina.

“Neo” es una palabra de origen griego que significa “nuevo”, de tal manera entendemos que la música neoclásica es la versión “nueva” música clásica.

El neoclasicismo se desarrolló durante los siglos XX y XXI, aproximadamente entre las décadas de 1920 y 1940.

Vuelta a las técnicas de polifonía, sobre todo énfasis en las cualidades de texturas contrapuntísticas exploradas previamente por compositores como Johann Sebastian Bach.

Recuperación del orden, balance, claridad y contención emocional.

Referencia y guiños a obras específicas del Clasicismo o del Barroco.

Utilización de la técnica barroca del concerto grosso, donde un solista se contrapone a la orquesta completa.

Carlos Chavez,
Pierre Gabaye,
Salvador contreras,
Arthur Berger.

es el término que define no exclusivamente a la música instrumental, cuyos elementos
sonoros son grabados y reproducidos por computadoras o cinta magnética.

tiene su origen tanto en la música concreta conceptualizada en Francia por Pierre Schaeffer en 1948 como en la música electrónica desarrollada a principios de la década de 1950 en Colonia.

Son sonidos grabados de instrumentos convencionales o ruidos de la calle que luego son
manipulados y reproducidos por medio de aparatos electroacústicos.

El compositor puede manipular el sonido.

Utiliza sonidos del ambiente.

Pierre Schaeffer.
Edgar Varese.
Luc Ferrari.

es la mezcla de varios géneros, de instrumentos a priori concebidos para un único estilo, de tempos que cambian de compañeros de baile y viajan hacia lo desconocido.

Combina elementos de 2 o más estilos musicales.

Comenzó en los años '70 con los experimentos jazzísticos de Miles Davis.

Busca originalidad a través de la dicotomía y produce nuevos caracteres musicales.

Sus creadores tienen en común la investigación instrumental y el deseo de reivindicar la tradición musical de los 2 pueblos del mundo.

Billy Cobham,
John McLaughlin,
Raul aliaga.

es la utilización de la menor cantidad de recursos musicales posible. Esto puede verse reflejado en la cantidad de notas, la complejidad de las frases musicales, la cantidad de
instrumentos utilizados

Música que funciona a partir de materiales limitados o mínimos.

Utilización de instrumentos electrónicos.

Aparecen aparatos generadores de sonido como el sintetizador.

Se controla con mayor precisión los parámetros del sonido al poder crear
nuevos sonidos.

cSteve Reich, John Adams y Phillip Glass.

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