Capítulo 4. La música francesa e italiana del siglo XIV
15. Instrumentación del S. XIV
Se componía como pensando en música vocal aunque fuera para ser ejecutada en isntrumentos.
En general los conjuntos eran mixtos: vocal e instrumental.
En la música profana no existía el oncepto de música coral. Por cada línea había un solo cantante o música. No existía la idea de familia de instrumentos en la Eda media. Se

buscaba una sonoridad heterogénea y no homogénea, un solo tipo de timbre por línea.

- En cuanto a los instrumentos, se pueden dividir en:

1) Instrumentos altos: chirimías, cornetas, trompetas de varas y sacabuches.

2) Instrumentos bajos: arpas, fídulas, laúdes, salterios, órganos protativos y flautas.

Los nombres no hacen referencia al registro sino al volumen sonoro.

También se usaban diversos instrumentos de percusión: campanillas, crótalos, timbales, etc.

En el s. XIV, se inventaron instrumentos de teclado, tipo clavicordio y clave, pero su uso no se 

generalizó hasta el s. XV. A su vez, comenzaron a instalarse grandes órganos en las iglesias, 

aunque el órgano alcanza su esplendor en el período barroco.

16. Resumiendo
Mayor cantidade música profana que sacra
Mayor atención al aspecto vertical o interválico de la música. Se generaliza cada vez más el uso de 3as y 6as, las consonacias.
Sensibilización de las cadencias.
Melodías flexibles
Se destaca la melodía usperior de las demás voces.
Nace el concepto de formas fijas en la música profana, la mayoría de éstas vienen de las formas poéticas.
1. Antecedentes generales
Siglo XIII
Autoridad
Estabilidad, la autoridad de la Iglesia encarnada en los
papas de Roma gozaban de respeto y reconocimiento en cuestiones religiosas, políticas e intelectuales.
Filosofía
Perfeccionamiento de filosofía universal, reconciliaba la revelación con la razón, lo divino con lo humano.
Siglo XIV
Autoridad
Se cuestiona ampliamente la autoridad del papa, entre 1305 y 1378, fueron forzados al exilio debido a la anarquía y quilombos en Roma, residiendo en Aviñón, en el sudeste de Francia.
Desemboca en la creación de más música profana que sacra, también debido a la secularización de las artes.
Así la Iglesia adopta una postura crítica respecto de las composiciones en sus oficios religiosos, para el siglo XII había críticas en contra de la música compleja y virtuosa de los cantores, pensando que convertían a la misa en un mero concierto y que la ornamentación oscurecía el texto de la liturgia.
La Iglesia desalienta el uso de polifonía en la música eclesistica de Italia.
Alla la polifonía se relaciona con la interpreación alternatim del ordinario de la misa: el coro cantaba una frase en canto llano y el organista tocaba la frase siguiente añadiendo una linea de contrapunto florido encima de las notas del canto.
Así se ajustan a un decreto del papa Juan XXII que autorizaba ciertas consonancias (8, 5, 4) en la melodía de ciertos días festivos.
Filosofía
La razón humana y la revelación divina están separados,
cada uno tendría su propia entidad, la Iglesia para las almas, el Estado por los intereses terrenales. Pero sin estar conectados. Así se marca el inicio de la ciencia vs. religión que rige hasta el día de hoy.
2. Entorno social
Ocurren la peste europea (1348-50) y Guerra de los
Cien años (1338-1453).
Dan pie al descontento urbano e insurrecciones campesinas.
-Poderío político a la clase media por el incremento de ciudades durante los dos siglos anteriores. 
-Cae la aristocracia feudal, también.
La caballerosidad de antaño se convirtió en un código ceremonial antes que una conducta, como fue antes.
La idea medieval de unidad política Europea muere
al existir ahora poderes separados e independientes.
Francia se convierte en una monarquía absoluta centralizada, mientras que la península itálica se divide en varios estados pequeños rivales.
3. Antecedentes musicales y Ars Nova
Cuándo: primera mitad del siglo XIV.
Fue el estilo musical francés que prevaleció en Francia.
Origen del nombre: Proviene de un tratado homónimo escrito por Felipe de Vitry, obsipo de Meaux, en 1322-1323. Significa "arte nuevo".
Antiguo vs. moderno: Jocobo de Lieja, un teórico flamenco, defiende el "arte antiguo" del siglo XIII en su enciclopedia "Speculum musicae" (El espejo de la música, ca. 1325) frente a las innovaciones modernas.
Las disputas principales fueron concernientes a la técnica:
1. Si se aceptaba o no la división moderna binaria de la longa y la breve (y luego la semibreve) en dos partes iguales, como ocurría con la división ternaria en tres partes iguales (o dos desiguales).
2. El uso de cuatro o más semibreves como equivalentes de
una breve (iniciados ya con los motetes de Petrus de Cruce), y finalmente de valores aún más pequeños.
4. Ars nova en Francia
Los compositores del siglo XIV produjeron MUCHA más música profana que sacra.
Los compositores de éste siglo producen más música profana > sacra.
El motete, antiguamente iniciado como sacro, toma características del género profano en gran medida antes de terminar el siglo XVI.
En el siglo XIV, el motete es la forma típica de composición para la celebración musical de importantes ocasiones ceremoniales, sacras y profanas hasta el siglo XV.
"Roman de Fauvel"
Es el documento musical más antiguo de la Francia del siglo XIV, un manuscrito cuidadosamente conservado datado entre 1310 y 1314 de un poema satírico.
Contiene 167 piezas musicales formando una ANTOLOGÍA musical del siglo XIII y comienzos del XIV.
La mayoría son monofónicas, pero 34 de ellas son polifónicas.
TEMÁTICA: Denuncia mayormente al clero y se refiere a varios temas políticos (alusiones prevalentes en el motete del siglo XIV)
Cinco de los motetes a tres voces que se hallan son de Felipe de Vitry.
Los tenores de sus motetes en ocasiones están expuestos en segmentos de ritmo regular, la fórmula rítmica podía variar después de cierto número de repeticiones.
Sin embargo en éste momento todo ocurre a escala mayor: el tenor es más extenso, los ritmos más complejos y la línea entera se mueve con más lentitud degbajo de las notas más rápidas de las voces superiores: es IMPOSIBLE reconocerla como melodía.
El motete, inicialmente sacro, adquiere características profanas en grandes dosis antes de finalizar el siglo XVI y continuó así.
El motete del siglo XIV se tomo como la FORMA TÍPICA DE COMPOSICIÓN para la CELEBRACIÓN MUSICAL de importantes ceremoniales, eclesiásticas y profanas, hasta el siglo XV.
De Vitry
Los motetes suyos presentan tenores expuestos en SEGMENTOS de RITMO REGULAR, luego la fórmula rítmica podía variar después de cierto número de repeticiones.
El tenor es más EXTENSO, ritmos COMPLEJOS y la línea entera se mueva con mucha lentitud debajo de las notas más rápidas de las voces superiores, que hace que sea IMPOSIBLE reconocerla como MELODÍA.
5. Motete isorrítmico
Influenciados por de Vitry, los compositores adminten dos elementos recurrentes en los TENORES del motete:
Uno melódico: la REITERACIÓN DE NOTAS (COLOR).
Color y Talea podían coincidir, iniciando y terminando juntos; o bien el color se podía extender sobre dos o más taleas, con los dos elementos coordinados.
Si los finales de color y talea no coincidían, entonces las repeticiones del color comenzaban en la mitad de la talea.
Uno rítmico: el esquema rítmico (TALEA).
Gracias a Vitry, los compositores admiten dos elementos recurrentes en los tenores del motete:
Uno melódico
La reiteración de series de notas: color
Uno rítmico
Al esquema rítmico: talea
Ambos podían coincidir iniciando y terminando juntos, o bien el color se podía extender sobre más taleas con los dos elementos coordinados.
Si no terminaban juntos, las repeticiones del color comenzaban en la mitad de la talea.
Los motetes con un tenor construído de colores y taleae se doniminaban así ("con el mismo ritmo").
Podían tambien las voces superiores, como también el tenor, escribirse isorrítmicamente.
También era distinctívo la mezcla de división binaria y ternaria en el Ars Nova.
La idea de isorritmia NO fue nueva para el siglo XIV, pero aquí se fue aplicando de forma cada vez más extensa y compleja.
La isorritmia era la forma de dar unidad a amplias composiciones que no ofrecían otra vía eficaz de organización formal.
Son aquellos que tienen un tenor constituído de colores y taleae.
Isorrítmico: "con el mismo tiempo". Ésta idea, sin embargo, NO era nueva en el siglo XIV, pero se aplicó de forma cada vez más extensa y compleja.
En algunos casos, las voces superiores al igual que el tenor, podían escribirse isorrítmicamente.
14. Notación del siglo XIV
La longa, breve y la semibreve podían dividirse cada una en dos o tresd notas de valor más pequeño consecutivo.
La división de la longa recibio el nombre de MODO.
La de breve en TIEMPO.
La de semibreve en PROLACIÓN.

Para indicar valores más breves que el de la semibreve se introducen dos nuevas formas:
La mínima: mitad o tercera parte de una semibreve (recordemos, la división era mayor o perfecta si era ternaria, menor o imperfecta si era binaria).
La semimínima, mitad de una mínima.
Se usan distintos signos combinados para designar tiempo y prolación:
>El círculo era el tiempo erfecto, semicírculo uno imperfecto.
>Un puntillo dentro del círculo o semicírculo indicaba que la prolación era mayor, la ausencia de este puntillo, prolación menor.
13. Música ficta
En la música ficta se empieza a usar alteraciones en las cadencias para que la resolución a la 8va llegue desde una 6ta mayor. Para llegar a unísono, en cambio, se prefería llegar desde una 3ra menor.
Otro caso es la doble sensible: en la cual no solo se alteraba la nota superior sino la intermedia también.
La música vera o recta, cubría el ámbito del sistema musical oficial, de las notas localizadas en la mano guidoniana donde no existían alteraciones. Una nota fuera de éste sistema se consideraba falsa, y de ahí el nombre de la música ficta.
Inicialmente las alteraciones solo se aplicaban a las cadencias pero luego los compositores comenzaron a alterara notas de distintas partes de sus obras para dar otro color a la música, como idea es´tetica.
En general las alteraciones no se escribían en las partituras, ya que los intérpretes sabían reconocer los casos en que una nota debía ser alterada.
A diferencia de los compositore sdel siglo XIII que usaban las 7 notas de un modo, en este período usaban las 7 notas de un modo más 2 sensibles. En algunos casos podían alterarse también otras notas.
12. Música francesa de fines de siglo XIV
7. Música italiana del Trecento
Se denomina así a la música italiana del siglo XIV (abreviatura de "mille trecento", "de los años 1300").
Socio-políticamente hay diferencias marcadas entre Francia e Italia.
Mientras que en Francia hay un poder creciente y estabilidad de la monarquía francesa.
En Italia había una serie de ciudades-estado donde las rivalidades entre sus gobernantes las mantuvo en una situación de enfrentamientos constantes; debido a la situación económica, militar y demostración de poder -como la cultura-, produciendo un clima férbil para la música.
Las principales ciudades de desarrollo musical fueron: Milán, Padua, Módena, Bolona, Perugia y Florencia, sobretodo.
Su música polifónica de éste período era improvisada en gran medida.
En los manuscritos primitivos se hallan tres tipos de composiciones de música profana:
Madrigal
Se escribía a dos voces usualmente.
Textos poéticos idílicos, pastoriles. De temática amorosa.
Las estrofas tenían 3 versos. Todas las estrofas contaban con una misma música; al fina lde estas se agregaban un par de versos adicionales, llamados ritornello, de metro distinto y nueva música.
La musicalización era silábica, a menudo la anteúltima sílaba de cada línea podía tener un melisma.
Caccia
Melodía popular pensada para ser cantada en CANON, acompañada por LETRAS ANIMADAS de carácter pictórico. Además del canon, no existía aún otra forma de composición estrictamente imitativa.
El nombre hace referencia a la persecución de una voz y la otra, como también al texto que describe escenas de cazería.
La música imitaba gritos, cantos de pájaros. Utilizaba el hoquetus con frecuencia.
Ballata
Presenta una influencia del estilo de la BALLADE FRANCIA.
Es simiilar al madrigal y caccia.
Su nombre proviene de "bailar".
No había forma fija de interpretar ésta música, alguna voz podía ser reemplazada por un instrumento, y una pieza vocal podía ser ejecutada enteramente por instrumentos.
Landini
>Francesco Landini (1325-1397) fue el música más representativo del Trecento.
>Ciego de niño, tuvo una gran educación.
>Poeta, maestro de música y multi-instrumentista.
Fue el principal compositor de ballata a dos y tres voces.
No escribió música sobre textos sacros.
Utilizó la "Cadencia de Landini", donde le movimiento de 6ta a la 8va estaba ornamentado por un salto de 3ra ascendente en la voz superior; también conocido como escapatoria.

Su música se destaca por su lirismo y suavidad de sus armonías, no hay ni 2das y 7mas.
6. Guillaume de Machaut
(ca. 1300-77, provincia de Champagne, norte de Francia) Principal compositor del ars nova en Francia.
Recibió educación religioso y tomó los hábitos, nombrado en su juventud secretario del rey Juan de Bohemia, luego de su muerte en 1346, Machaut ingresa al servicio de la corte francesa para concluír sus días jubilado como canónigo en Reims.
Tenía dotes de poeta y músico.
En sus obras se muestran ejemplos de las formas corrientes de la época y se demuestra también que fue un compositor conservador y progresista.
23 motetes de Machaut
Respetan el esquema tradicional: un tenor litúrgico instrumental y textos diferentes en las dos voces superiores.
Aquí se siguen las tendencias conteporáneas que apuntan a un mayor laicismo, un incremento de la extensión y una mayor complejidad rítmica.
La estructura isorrítmica a veces comprende las partes superiores y el tenor.
En estos motetes uso el hoquetus de forma prodigiosa.
Obras profanas de Machaut
Fue conocido por sus dotes musicales y poéticos, en sus obras se ven ejemplos de varias formas corrientes de la época, y se observa que en el habitaban tendencias conservatores y progresistas.
Los motetes suyos respetaban el esquema tradicional: un tenor litúrgico instrumental y textos diferentes en las dos voces superiores.

Sus obras apuntan a un mayor laicismo, incremento de la extensión y mayor complejidad rítmica.

La estructura isorrítmica a veces comprende las partes usperiores y el tenor.

En sus motetes usó también el hoquetus.
Obras profanas de Machaut
Canciones monofónicas
Se enlazan con la tradición de los troveros en Francia: son 19 lais (similar ala secuencia del siglo XII), y 25 virelais.
Formes fixes: 

Las tres formas poéticas-musicales francesas más cultivadas en la canción profana de éste siglo, y parte del XV.

En éstos muestra las tendencias del ars nova.
Aquí texto y música tienen patrones de repeticion determinados por el género poético, donde Machaut exploró la nueva división binaria del tiempo.
Virelais
Las virelais tienen forma Abba.
A= estribillo (que podía repetirse si había varias estrofas)
b= primera parte de la estrofa que se repite yla última parte de la estrofa.

También escribió 7 virelais polifónicos.
Cuando al A se repetía el solista vocal se acompañaa por un tenor instrumental inferior, introduciendo también una rima musical entre las secciones melódicas.

Rondeaux
La forma del rondeau ejerció gran atracción sobre poetas y músicos de la Baja Edad Media, consistía, como la virelai, en dos frases musicales; el estribillo que se escucha al principio y final contiene toda la música.
Ballades polifónicos
La voz aguda, en la que figura el texto, dominaba la textura de tres partes.
Constaban de tres o cuatro estrofas de las cuales cada una se cantaba con idéntica música y concluía con un estribillo.
Dentro de cada estrofa, los dos primeros versos contenían la misma música observándose distintas terminaciones.
Escribió ballades entre dos a cuatro voces para varias combinaciones de instrumentos y voces.
Otras innovaciones
Convirtió la voz superior en voz principal apoyándola con el tenor y triplum, y quizás una cuarta voz.
Se perciben quintas paralelas, pero las sonoridades de 3° y 6° y la armonía en general se opone a la del ars antiqua.
La línea melódica de la voz solista era finamente labrada.
Misa de Notre Dame
Se destaca por su vasta dimensión y control de la consonancia y disonancia en la textura de cuatro voces, y sus estructuras planificadas.
No está conexionada por un cantus firmus único, pero se aprecia la coherencia de estilo y el centro tonal en re y fa.

Resultó una excepción, al haber considerado las cinco divisiones del ordinario como una sola composición musical.
Anters existieron aproximadamente cuatro ciclos anónimos semicompletos.
Anteriormente, las partes del ordinario, cuando se tocaban juntas en un mismo oficio religioso, no importaba su selección o combinación. No importaba si estaban en el mismo modo o tenían el mismo material temático.
Forma
Kyrie, Sanctus, Agnus Dei yel ite missa est están organizados isorrítmicamente.
Gloria y Credo son slábicos.
La música de la misa permanece sin reflejar las sugerencias emotivas del texto.
Seguramente todas las partes vocales eran dobladas por instrumentos, pero tampoco sabemos que instrumentos se usaron, ni para que ocasión fue compuesta.