af Анастасия Кабанова 5 år siden
1541
Mere som dette
Карл Шмидт-Ротлуф. Дома ночью. 1912г
Макс Пехштейн. Под деревьями (Ню на пленэре). 1911г
Франц Марк. Борющиеся формы. 1914г
Август Макке. Дама в зеленом жакете. 1913г
Эрнст Людвиг Кирхнер. Автопортрет в образе солдата. 1915г
В живописи экспрессионистов персонажи чаще всего гротескны, формы — искажены, пространство — смещено, мазки — завихряющиеся, а цвета яркие, насыщенные и диссонансно сочетаются между собой. Все это — ради передачи сильных эмоций от драматичности бытия. В большей части это касается художников группы «Мост» — у «Синего всадника» формы часто были спокойнее, а цвета гармоничнее.
Экспрессионизм зародился как немецко-австрийская параллель французскому фовизму — но экспрессионисты, в отличие от фовистов, не отказались от выражения духовных, экзистенциальных смыслов, главным образом связанных с драматическими аспектами человеческого существования и предчувствием катастрофы (неудивительно, что вторая волна экспрессионизма началась с Первой мировой войной). Название «экспрессионизм» изначально было противопоставлено импрессионизму: художник не передает непосредственное зрительное впечатление от действительности (природы), а выражает возникшие у него сложные эмоции. Появлению нового движения сопутствовал интерес к первобытному и средневековому искусству, которое в начале XX века воспринималось как очень необычное и экспрессивное.
Илья Кабаков. Здравствуй, утро нашей родины! Триптих. 1981г
Виктор Пивоваров. Работа из альбома "Лицо". 1975г
Эрик Булатов. Вход-Входа нет. 1994-1995г
Главные произведения концептуализма в мире — не живопись. Живопись концептуализма (особенно русского, «московского») обычно наполнена текстами, а нередко и диаграммами, цифрами, с нарушением привычного обрамления и материалов (граница между предметом и его изображением разрушена со времен поп-арта). Концептуализм часто работает с готовыми языками (как живописными, визуальными, так и идеологическими, политическими, бытовыми), цитирует их и остраняет, часто высмеивает. Концептуалистские картины выглядят интеллектуально, механистично и математически. Произведения чаще всего не воздействует чисто зрительно и интуитивно, а требуют текстового объяснения.
Концептуализм — это искусство про то, как устроено искусство. Для концептуализма главное — сила идеи, а не материала, поэтому в предельном случае может быть выставлен текст — описание несуществующего произведения или манифест. Концептуализм подвергает сомнению «я» художника, для него любое романтическое возвеличивание творца — это неуместная претензия на власть. Вместо этого концептуалисту надо разобраться, из каких «кубиков» состоит искусство (или общество, политика, быт и так далее), деконструировать текст и настроить коммуникацию со зрителем, который сможет достроить в своей голове любое произведение.
Казимир Малевич. Аргентинская полька. 1911г
Наталия Гончарова. Крестьяне. 1911г
Александр Шевченко. Портрет поэта. 1913г
Михаил Ларионов. Офицерский парикмахер. 1909г
Картины примитивистов напоминают детские рисунки, лубок, работы непрофессиональных художников. Их часто можно узнать по упрощенным формам, анатомическим несуразностям, отсутствию привычного объема и пространства, огрублению, ощущению «неумелости». Яркость цвета иногда преувеличена, фигуры имеют игрушечный, кукольный вид. Это часто изображение «низких» видов городской жизни (солдат, парикмахеров, гуляк), веселое и хулиганское — хотя примитивизм, вдохновленный серьезной стороной народного творчества (иконой, крестьянскими обрядами, древними идолами), тоже есть.
В широком смысле неопримитивизм — это направление, вдохновленное народным искусством разных стран, примитивным искусством древних народов или современных архаичных обществ, наивной живописью. Его черты можно найти у многих художников: постимпрессионистов, фовистов, экспрессионистов, кубистов и так далее, — но самостоятельным течением он стал только в России на рубеже 1900–10-х годов. Примитивисты хотели преодолеть академизм и традицию, привнести силу и свежесть взгляда через обращение к архетипическому и мифологическому мышлению, а порой еще и снизить градус серьезности и связать «музейное» высокое искусство с низовым.
Джаспер Джонс. Мишень с четырьмя лицами. 1955г
Рой Лихтенштейн. Whaam! 1963г
Роберт Раушенберг.Кровать. 1955г
Ричард Гамильтон. Оммаж корпорации "Крайслер". 1957г
Энди Уорхол. Банки супа "Кэмпбелл". 1962г
Энди Уорхол. Золотая Мэрилин Монро.1962г
Поп-артисты использовали в своем искусстве образы рекламы и массовой культуры (кино, комиксов, фотографии знаменитостей и даже политиков). Раушенберг и Джонс создавали картины, одновременно являющиеся
предметами. В поп-арте нередки коллажи, поточное тиражирование одного образа, репродуцирование исходного изображения с помехами (фото, клиширование), изменение масштаба, материала или контекста обычных предметов.
Поп-арт разрушал романтический образ художника, пафос «высокого искусства», а также границу между музейным и повседневным. В центре внимания художников оказались потребление, бытовые предметы, массовая культура. Поп-артисты играли с языком китча, рекламы, главный их инструмент — ирония, которая, однако, нередко смешана с восхищением тем продуктом, над которым они издеваются.
Жоан Миро. Карнавал Арлекина. 1924-1925годы
Рене Магритт. Влюбленные (любовники). 1928г
Ив Танги. Мама, папа ранен! 1927г
Сальвадор Дали. Мягкая конструкция с вареными бобами ( Предчувствие гражданской войны). 1936 г
Сальвадор Дали. Постоянство памяти. 1931 год
Андре Массон. Битва рыб. 1926г
В сюрреализме можно выделить две главные манеры. Первая — это абстракции (обычно органические, биоморфные, похожие на амеб или сгустки материи), иногда создававшиеся в технике автоматического письма. Второй тип (более известный благодаря Дали и Магритту) — это парадоксальные коллажные сочетания предметов и явлений, абсурдные сюжеты, фантастические (часто отталкивающие или пугающие) образы. Второму типу часто сопутствует тщательная манера письма, которая делает ирреальные подсознательные образы парадоксально реальными. Сюрреалисты использовали такие технические приемы, как «случайностные», автоматические действия (например, бросание краски на холст), декалькомания (переводные изображения), фроттаж (натирание краской поверхности, под которой находится что-то фактурное), фюмаж (воздействие дымом).
Сюрреалисты ставили своей задачей соединить реальность и сон — формы и предметы внешнего мира с иррациональным внутренним миром человека. Главные их источники, помимо снов, — подсознание (на сюрреалистов повлиял фрейдизм), трансовые состояния, галлюцинации; главные приемы — разрушение логических связей, абсурд, парадокс, уничтожение привычного, сопоставление того, что никогда раньше не сопоставлялось. Моральные ограничения общества для сюрреалистов тоже значения не имели. Один из важных для них методов — автоматическое письмо, когда художник или поэт создает свое произведение, как бы отключив разум. Течение стало международным и существовало долго, неоднократно возвращаясь и проникнув в коммерческое искусство и массовую культуру.
Роберт Беткл. Понтиак`61. 1968-1969годы
Ральф Гоингс. Шевроле Sherwin Williams. 1975 год
Чау Клоуз. Большой автопортрет. 1967-1968 годы
Чак Клоуз. Линда. 1975-1976 годы
Картины большого размера, сильно напоминающие фотографии. Гиперреалисты убирают все следы индивидуального почерка; используются краскопульт, аэрограф, диапроекция, полировка картин. Они делают акцент на блестящих поверхностях, смешивании плоскостей и отражений. Люди на их картинах выглядят как вещи, иногда лица изображены отдельно и превращаются в почти абстрактные поверхности. Часто используются темы городской повседневности и потребления: супермаркеты, кафе, бензозаправки, витрины, автомобили и так далее.
Художники этого направления имитируют фотографию, соединенную с холодным, безличным взглядом на урбанистическую реальность и человека. Их цель — уйти от авторского видения, от интерпретации, от всего эмоционального. Их живопись — как иллюзионистическая обманка, притворяющаяся нейтральным, объективным снимком реальности.
Джакомо Балла. Динамизм собаки на поводке. 1912г.
Джакомо Балла. Абстрактная скорость + звук. 1913-1914 годы.
Карло Карра. Похороны анархиста Галли. 1911г.
Футуристы обращались в своей живописи к последним достижениям техники — хронофотографии (съемке через короткие равные интервалы времени, позволявшей записывать движение какого-либо объекта) и кинематографу — и любили изображать на картинах сразу несколько фаз движения одновременно. Наслаивание изображений друг на друга они также использовали, чтобы изобразить город, прогресс, молодость, буйство, энергию. Они дробили предметы (в чем напоминали кубистов) и производили «сдвиги»: соединяли вместе несовместимое. Для их картин характерны зигзагообразные, скошенные, угловатые формы.
Итальянское направление, участники которого хотели выразить современность через скорость, отразить сознание городского человека. Футуристы реагировали на последние технические завоевания и, в отличие от многих современных им направлений, не боялись прогресса, а восхищались им и ждали революцию, которая должна была встряхнуть одряхлевший мир. Футуристы хотели полностью избавиться от багажа культуры и обновить искусство с помощью технократических индустриальных ценностей. Вместе с этим они вплотную подошли к абстракции.
Пабло Пикассо. Натюрморт с плетенным стулом. 1911-1912г.
Жорж Брак. Скрипка, трубка и газета.1913г.
Пабло Пикассо. Портрет Даниэля Анри Канвейлера. 1910г.
Жорж Брак. Бутылка и рыбы. Около 1910-1912 годов.
В живописи экспрессионистов персонажи чаще всего гротескны, формы — искажены, пространство — смещено, мазки — завихряющиеся, а цвета яркие, насыщенные и диссонансно сочетаются между собой. Все это — ради передачи сильных эмоций от драматичности бытия. В большей части это касается художников группы «Мост» — у «Синего всадника» формы часто были спокойнее, а цвета гармоничнее.
Экспрессионизм зародился как немецко-австрийская параллель французскому фовизму — но экспрессионисты, не отказались от выражения духовных, экзистенциальных смыслов, главным образом связанных с драматическими аспектами человеческого существования и предчувствием катастрофы (неудивительно, что вторая волна экспрессионизма началась с Первой мировой войной). Название «экспрессионизм» изначально было противопоставлено импрессионизму: художник не передает непосредственное зрительное впечатление от действительности (природы), а выражает возникшие у него сложные эмоции. Появлению нового движения сопутствовал интерес к первобытному и средневековому искусству, которое в начале XX века воспринималось как очень необычное и экспрессивное.
Андре Дерен. Мост Чаринг-Кросс. 1906 год.
Анри Матисс. Радость жизни. 1905-1906 год.
Морис де Вламинк. Сена в Шату. 1906 год
Слово «фовисты» произошло от французского fauve, «дикий», и это видно в живописи. Художники-фовисты брали яркие, контрастные краски, часто выбирали непривычные и неестественные цвета, а вместо переливов оттенков использовали много четких контуров и пятен. В своих произведениях они отказывались от выстраивания объема и пространства, делая их условными, обобщенными. Все это, вместе с динамичными мазками, работало на главную цель — яркую, экзальтированную эмоцию.
Фовизм называют первым авангардным течением. Это бунтарское, но еще фигуративное (изображающее реальные предметы) направление, которое отказалось и от большинства предшествующих живописных норм, и от идеи, что искусство должно выражать философские, интеллектуальные смыслы. Вместо этого главными стали эмоции — чаще всего яркие, радостные, — которые должны были быть выражены на языке красок.
Марк Ротко. Оранжевый и желтый. 1956г
Ханс Хартунг. Т 1963-R6. 1963г
Вольс. Синий фантом. 1951г
Жан Фотрие. Голова заложника. 1944г
Виллем де Кунинг. Женщина 1. 1950-1952г
Джексон Поллок. Лавандовый туман(Номер 1). 1950г
Жоан Миро. Картина. 1927г
Василий Кандинский. Композиция 7. 1913г
Перечислить приемы очень трудно — они индивидуальны для каждого мастера и крайне многочисленны. Среди вариантов — линии и пятна неправильных форм, передача движения и отношений фигур с помощью пятен, свободная композиция. Картины американцев — обычно большого размера, созданные либо хаотичными мазками, каплями, брызгами («живопись действия»), либо пятнами цвета, заполняющими всю или почти всю картину («живопись цветового поля»).
Абстракция — беспредметное, не изображающее никаких реалий внешнего мира искусство — стала одной из главных разновидностей авангардной живописи. Экспрессивная, или интуитивная, абстракция использовала живописные средства — цвет, пятно, линию — и либо стремилась выразить чувства и эмоции человека, явления его внутреннего мира и трансцендентные переживания, либо же становилась результатом психологического автоматизма, работы бессознательного. Во второй половине XX века американские абстрактные экспрессионисты культивировали романтический и шаманско-жреческий образ художника, обращались к архетипам, мифам, религиозным темам — мир в их картинах предстает драматичным и экстатическим.
Казимир Малевич. Супрематическая композиция: полет аэроплана. 1915г
Джозеф Альберс. Оммаж квадрату. 1951г
Пит Мондриан. Таблица1. 1921г
Пит Мондриан. Буги-вуги на Бродвее. 1942-1943г
Робер Делоне. Круглые формы. 1930г
Тео ван Дусбург. Композиция(Корова). 1918г
Иван Клюн. Супрематизм. Конструкция. 1915-1916г
Илья Чашник. Супрематическая композиция. 1923г
Александр Родченко. Беспредметная композиция №88. Плотность и вес. 1919г
Любовь Попова.Пространственно-силовое построение.1921г
Прежде всего — по линиям и правильным геометрическим формам (прямоугольник, круг, квадрат) — искусственным, не встречающимся в природе. Обычно это плоскостная живопись (нередко с эффектом «безвоздушного пространства»), которая выглядит холодно, сдержанно, может напоминать архитектурные чертежи или научные схемы. Супрематизм опознается по простым, чистым цветам и базовым геометрическим плоским фигурам без фактуры, парящим на светлом фоне. Неопластицисты применяли монолитные динамичные формы, в основе построения композиции использовались крест или диагональ. Их цвета — черный, красный, белый, серый, иногда с добавлением других, не всегда локальных и чистых; поверхности нередко выглядят фактурно и контрастно.
Адепты геометрической абстракции не собирались передавать средствами живописи ни явления видимого мира, ни свое душевное состояние — вместо этого они создавали системы, основанные либо на рациональности и функциональности, либо на идеалистических построениях. Так, супрематисты ставили себе задачи метафизические и утопические: создать новый мир форм, не связанный с земным и человеческим; творец воспринимался ими как создатель формы из ничего. А голландские неопластицисты стремились уйти от личностного и эмоционального к абсолютным категориям и божественному. Русские конструктивисты, поставившие себе цель изменить быт нового советского общества, в живописи исходили из фактур и материалов, из движения и отношений между формами, а не из умозрительных теорий — и исповедовали прикладной, рациональный, материалистический подход. Во второй половине XX века геометрическая абстракция продолжилась в оп-арте 1960-х (течении, работавшем с оптическими иллюзиями), постживописной абстракции и других направлениях.
Дан Дюпа. Лоза и вино. 1925г
Тамара де Лемпицка. Девушка в перчатках. 1929г
Тамара де Лемпицка. Автопортрет в зеленом "Бугатти". 1925г
Ар-деко продолжило идейную линию ар-нуво, но, в отличие от последнего, успело впитать в себя завоевания авангардного искусства последних десятилетий — прежде всего кубизма и геометрической абстракции. Живописи ар-деко свойственны симметричные, упрощенные, обтекаемые или ступенчатые формы, часто встречается мотив лучей, зигзагов, многогранников. Формы не взрываются и не распадаются, хотя динамика часто есть. Цвета — яркие, контрастные. Абстрактные и фигуративные мотивы часто соединены. Фигуры людей и животных обобщенные. Нередко встречаются образы новой техники — машины, лайнеры, аэропланы и так далее. Декоративно стилизуются древние, восточные и экзотические стили.
Международный роскошный и буржуазный стиль, главная цель которого была в украшении пространства (поэтому он больше известен по архитектуре и дизайну интерьеров, чем по живописи). При этом ар-деко одновременно стремился быть максимально современным — и потому синтезировал черты других стилей и направлений (ар-нуво, кубизм, неоклассицизм, древнеегипетский и другие модные этнические стили), обращая недавние авангардные новшества в декоративные приемы. В дальнейшем ар-деко во многом повлиял на постмодерн 1970–80-х.
