da Giuliana Leotta manca 1 anno
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Come precedentemente affermato, Edgar Degas, artista dal temperamento complesso ma dallo stile unico e inconfondibile, ama rappresentare il nudo femminile in azioni tratte dalla vita quotidiana: le sue donne, tutte di giovane età, sono affaccendate nella gestualità del lavarsi, dell’ asciugarsi, del pettinarsi, o del farsi pettinare. Ne consegue che il “nudo”, tanto caro alla tradizione accademica, nella prospettiva artistica di Edagar Degas viene rivisitato in una forma dinamica, priva, al contempo, di ogni forma di oscenità o di volgarità.
Nell’ opera ” Le Tub ” la donna rappresentata, anche in questo caso di schiena, è chinata nell’ atto di lavarsi: gesto rientrante nella naturalità delle azioni che colpisce lo spettatore per l’improvvisa familiarità. Le linee del corpo nudo evidenziano tutti gli aspetti dell’azione posta in essere: la schiena incurvata e il braccio teso e appoggiato alla base della tinozza, conferiscono la dipinto quella geometria volutamente cercata dall’artista francese.
Attualmente conservata presso il Musée d’ Orsay di Parigi.
Lo scandalo che provocò l’esposizione del dipinto di Edouard Manet, Colazione sull’erba, fu dovuto alla presenza, contemporanea, di un nudo femminile e di borghesi abbigliati con abiti contemporanei.
Una donna completamente nuda siede tranquilla al cospetto di due borghesi in abito scuro e ci guarda. Le sue gambe raccolte fanno da appoggio al braccio destro sollevato verso il viso in una posizione naturale e disinvolta. Un uomo siede dietro di lei e conversa piacevolmente con una espressione pensierosa. Il convitato di destra, invece, è disteso con la gamba sinistra verso la donna e il ginocchio destro piegato.
Tiene nella mano sinistra un bastone da passeggio. I tre, infatti si sono fermati nel bosco per riposarsi durante una passeggiata. Nell’angolo a sinistra, sotto forma di natura morta, si trovano i resti del pranzo. Un cestino contenete qualche frutto e del pane è poggiato sugli abiti femminili. Indietro, poi, una seconda donna in sottoveste, si sta bagnando in un laghetto che occupa tutto il secondo piano. A destra una barchetta è posata a riva, mentre, tra gli alberi al centro, si intravede il paesaggio in lontananza. Un uccellino, forse un fringuello, aleggia in alto, tra i rami.
Edouard Manet non partecipò mai alle mostre organizzate dai pittori impressionisti, come Claude Monet e Degas. Il suo interesse nel rinnovare la pittura scardinando la tradizione accademica fu, però, di modello al gruppo di artisti in ascesa in Francia. Il suo dipinto intitolato La colazione sull’erba, fu progettato sulla base di opere rinascimentali. Suscitò immediatamente reazioni scandalizzate per via della donna nuda accomodata tra due uomini. Gli abiti contemporanei dei due personaggi non giustificavano la nudità della donna come un riferimento mitologico. La scena divenne, quindi, una rappresentazione di una situazione imbarazzante di due borghesi seduti all’aperto al cospetto di una donna svestita.
L'opera è conservato al Museo d'Orsay di Parigi.
Dipinto nel 1908 da Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), esponente di spicco dell’Espressionismo tedesco, il quadro intitolato Marzella (in italiano Marcella), oggi a Stoccolma è uno dei ritratti più emblematici e scandalosi dell’artista. Rappresenta, appunto, Marzella, una modella ragazzina che ispirò sia Kirchner sia altri artisti del gruppo nei primi anni della Brücke.L’artista la ritrasse più volte; in un caso, ossia in un dipinto oggi a Berlino, la giovane è malinconica e assorta su un divano, vestita di una sottanina a strisce; in un altro, nel capolavoro di Stoccolma diventato simbolo del movimento, Marzella è nuda e ha lo sguardo rivolto all’osservatore.
Ernst Ludwig Kirchner, Marzella (Femal Artist), 1910. Olio su tela, 101 x 76 cm. Berlino, Brücke Museum.
Kirchner stravedeva per questa giovane, della quale scrisse: «Marzella sta sviluppando ora tratti molto fini […], c’è un grande impulso in una donna così pura […] migliore di ragazze più mature». Il rapporto fra l’artista e la sua modella bambina fu chiacchieratissimo; non pochi lo accusarono di averne fatto la sua amante. Tali accuse sono probabilmente prive di fondamento. Dipingere una bambina nuda era certamente sconveniente ma mettersi in scena e provocare scandali era, per tutti gli artisti dell’Espressionismo, una precisa strategia artistica.
Il tema della sessualità è presente, per esempio, in Pubertà, dipinto da Munch intorno al 1893 e poi riproposto in molte versioni, ad olio e in stampa, tra litografie e acqueforti, talvolta proponendo l’immagine speculare. Secondo la testimonianza dell’artista, la prima stesura di questo soggetto risaliva al 1885/86 ma andò distrutta. Munch propose, nel tempo, diversi titoli, da Giovane modella a Pubertà a Di notte.'
L’immagine venne probabilmente ispirata a Munch da un’acquaforte dell’illustratore belga Félicien Rops, pubblicata in un libro del 1882: in effetti si riscontrano numerose analogie, sia formali sia compositive, ma l’artista ha sempre negato ogni legame fra le due opere.
Una ragazzina si trova in un ambiente spoglio e desolato che sembra quasi la cella di una prigione. Seduta, nuda e sola, sul bordo del proprio letto, con le gambe strette, tiene le braccia incrociate sul pube, in un gesto pudico e virginale, con una mano sul ginocchio e l’altra sulla coscia. La sua posizione è quasi frontale, appena ruotata verso destra. È apparentemente turbata dai suoi stessi pensieri: il suo sguardo è fisso e spaventato, gli occhi sono spalancati, la bocca è serrata. I lunghi capelli scendono sulle spalle.
L'opera risiede Nasjonalmuseet (Galleria Nazionale).
Con Les Demoiselles d’Avignon Pablo Picasso ha prodotto la frantumazione dello spazio tridimensionale che si ritroverà nelle altre opere cubiste.
Pablo Picasso, Les Damoiseles d’Avignon, 1907, olio su tela, 243,9 x 233,7 cm. New York, Museum of Modern Art (MoMa).
Les Demoiselles d’Avignon di Pablo Picasso sono cinque ragazze che si propongono alla vista dell’osservatore. Sono disposte frontalmente e mostrano in modo sfacciato la loro nudità. Si pongono inoltre come modelle e la loro posizione prende direttamente in considerazione l’esistenza di qualcuno che le sta osservando. Lo sfondo infine è rappresentato da zone frammentate di diversi colori che si integrano con quelle dei corpi delle ragazze.
In realtà le protagoniste potrebbero essere state ragazze di una casa di tolleranza frequentata dal giovane Picasso.
Le figure femminili citano forse Le Veneri della tradizione classica. Infatti i corpi non possiedono una valenza erotica. In ogni caso, l’intento di Pablo Picasso nel dipingere Les Demoiselles d’Avignon fu forse quello di creare una cesura con la tradizione artistica.
Le due ragazze centrali hanno uno sguardo più riconoscibile e diretto. Le due donne laterali a destra invece richiamano, con la deformità del loro volto, le maschere di tradizione africana amate da Pablo Picasso. L’immagine della ragazza di sinistra poi ricorda lo stile egizio con l’occhio frontale e con il volto disegnato di profilo.
Sogno causato dal volo di un’ape intorno a una melagrana un attimo prima del risveglio, è il titolo completo di quest’opera, dipinta da Salvador Dalì nel 1944. Il corpo nudo di una donna distesa levita su di uno scoglio sospeso nel vuoto. La superficie, perfettamente liscia della struttura, pare emergere da un mare dalla superficie piatta e vetrificata. La donna sembra dormire serenamente mentre due tigri la stanno per aggredire. In realtà tutta la scena è, tipicamente, surreale. A destra nel dipinto da una melagrana spaccata esce un grande pesce. Dalla bocca dell’animale, poi, fuoriesce una grande tigre.
Quindi un’altra esce dalla bocca della prima e l’azione prosegue con un fucile a baionetta la cui punta sta per toccare il braccio della donna distesa. La scena riserva altre visioni surreali. In primo piano un’ape vola intorno ad una melagrana. Sullo sfondo un elefante dalle zampe di ragno traversa tranquillamente la scena portando sulla sua groppa un obelisco di pietra. A destra, verso il bordo del dipinto un promontorio si affaccia sul mare ideale. Il tema dell’elefantino con obelisco sulla schiena fu, probabilmente ispirato a Salvador Dalì da quello creato da Bernini e posto sulla fontana in piazza Minerva a Roma.
Un altro artista appartenente al movimento surrealista fu René Magritte che dipinse nelle sue opere trucchi percettivi per creare un senso di smarrimento nell’osservatore. Anche Giorgio de Chirico, nei suoi dipinti metafisici utilizzò tecniche surrealiste.
Lo stile utilizzato da Salvador Dalì per creare questo dipinto è iperrealista. Infatti le forme sono molto riconoscibili e ben dettagliate. Il dipinto suggerisce che l’evento sia frutto di un sogno. Infatti le diverse scene che vengono rappresentate nell’opera ricordano la dinamica dei sogni, surreali ma con un aggancio alla realtà. La logica, che si riscontra nell’attività onirica, non è quella che siamo abituati a riscontrare durante la veglia, piuttosto segue le regole dell’inconscio. Questo dipinto fu ispirato da un sogno della compagna e modella di Dalì, Gala.
Si tratta di una associazione di immagini scatenata dal rumore ronzante di un’ape che, secondo la donna, volava intorno al suo orecchio durante il sonno. Il dipinto si presta a molte interpretazioni. Come nella pratica dell’analisi del sogno ideata dal famoso psicologo Sigmund Freud, il dipinto ricostruisce, in modo inverso, il ricordo di Gala. Oltre a rappresentare fedelmente il racconto della modella, Dalì dipinse nell’opera alcune immagini che sono la sua firma stilistica. L’elefantino con le zampe allungate e scheletriche sarà una costante in altre opere. L’ombra che viene proiettata tra lo scoglio e la superficie marina forma un cuore. Per alcuni critici si tratta di una dichiarazione d’amore di Dalì verso la compagna e modella Gala.
Salvador Dalì, Sogno causato dal volo di un’ape, 1944, olio su tela, 51 x 41 cm. Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza.
La giovane donna stesa sul divano indossa un abito sottile e attillato che rivela le sue forme fisiche. Il viso è tondo e le guance arrossate. I capelli sono folti e scuri. Ai fianchi inoltre porta una fascia di seta rosa stretta e le spalle sono coperte da una giacchetta. Ai piedi poi indossa un paio di scarpette dorate dalla punta affusolata. La giovane guarda verso l’osservatore dell’opera senza mostrare imbarazzo o pudore. Ha le braccia sollevate e nasconde le mani dietro la nuca. Lo sfondo è privo di arredi e dettagli.
L’assenza di documentazione sulla commissione dei dipinti della Maja spinse alcuni storici a pensare che le due opere ritraggano la duchessa d’Alba detta anche la Cayetana.
Goya era molto amico della duchessa d’Alba e della nobildonna l’artista ha realizzato numerosi ritratti. Gli esperti quindi hanno sottolineato una certa somiglianza tra questi e il volto dipinto nella Maja desnuda. Louis Viardot nel 1843 nel testo Les musées de Espagne avanzò l’ipotesi che la duchessa avesse posato per il dipinto. Gli storici più recenti invece sostengono che il viso e forse anche il corpo della Maja desnuda sia di Pepita Tudó, amante di Goya. Altra ipotesi è che pur ritraendo Pepita Goya abbia raffigurato i tratti dell’amica duchessa. La figura femminile ritratta ne la Maja desnuda è più aggraziata di quella de la Maja vestida. Inoltre i due volti non sono somiglianti ma solo vagamente simili.
La giovane ritratta nell’opera di Goya indossa accessori che all’epoca erano portati da donne aristocratiche. La protagonista quindi assume una identità ambigua. Il titolo infatti la identifica come maja ma l’abbigliamento come una giovane nobile. Il termine deriva dalla lingua popolare spagnola e significa elegante.
Goya, Maja vestida, 1800-1808, olio su tela, 95 x 190 cm. Madrid, Museo del Prado.
La giovane nuda ritratta nell’opera osserva con sicurezza priva di pudore in direzione dell’osservatore. La modella è distesa con il capo a sinistra dell’opera e con le mani incrociate dietro la nuca. I suoi capelli ricci e scuri cadono liberi ai lati del viso e le gote sono arrossate e piene. Il divano che la ospita è ricoperto da un tessuto di velluto di colore verde. Inoltre la parte superiore del corpo poggia su due cuscini foderati con tessuto chiaro decorato con tulle leggere. Infine un lenzuolo copre la parte sinistra del divano sulla quale poggiano le gambe della fanciulla.
La Maja desnuda di Goya è un dipinto accostato a quello intitolato Maja vestida. Le fonti iconografiche alle quali Goya si ispirò sono altri dipinti del passato. La Maja ricorda infatti alcune opere di Tiziano come la Danae, il Baccanale degli Andrii e Venere e Adone.
La Maja desnuda si trova al Museo del Prado di Madrid insieme a la Maja vestida. Pedro González de Sepúlveda visitò il palazzo di Godoy nel novembre del 1800. Nel gabinetto privato del Principe della Pace vide una collezione di nudi femminili. Insieme alle opere compariva la Maja desnuda ma non la Maja vestida. Questo dipinto, insieme alla Venere allo specchio di Velázquez detta anche Venere Rokeby, è documentato qualche anno dopo nella stessa collezione.
Opera tarda di Antonio Canova, il gruppo scultoreo delle tre Grazie è stato prodotto in un momento in cui l’artista era così famoso che il pubblico attendeva con impazienza ogni nuova opera. Fedele all’ideale neoclassico, Canova incarnava le sue percezioni della bellezza nella forma delle antiche divinità che si diceva personificassero il fascino femminile. I contemporanei hanno elogiato l’opera per il suo nuovo approccio all’argomento. A differenza delle composizioni che derivano dall’antichità classica, dove le figure esterne si girano verso lo spettatore e la figura centrale abbraccia le sue amiche dandoci le spalle, le Grazie di Canova stanno una accanto all’altra, tutte di fronte all’altra.
Le tre snelle figure femminili si uniscono nel loro abbraccio, unite non solo dalle mani giunte, ma anche dal drappo che cade dalla mano di una di loro. La composizione del Canova è compatta ed equilibrata. Le Grazie stanno attorno a un altare sacrificale su cui si trovano tre ghirlande di fiori e una ghirlanda che simboleggia i loro teneri legami. La tecnica scultorea rende le levigatissime superfici marmoree come specchi in grado di assorbire e riflettere la luce. L’imitazione della scultura antica non rappresenta per Canova un pedissequo esercizio stilistico, ma una base di partenza ineliminabile sulla quale innestare la squisita grazia del Settecento. Le tre figure femminili costituiscono l’incarnazione dell’ideale neoclassico di bellezza. I movimenti lenti e fluenti nascono l’uno nell’altro sciogliendosi in un ritmo lento e pacato, elegante e armonioso. Il gruppo marmoreo fu commissionato dalla prima moglie di Napoleone, Josephine Beauharnais, che non fece in tempo a vedere l’opera terminata. I contemporanei pensavano che Canova avesse catturato così tanto l’ideale della bellezza da commentare le sue opere come più belle della bellezza stessa.
L'opera è ubicata a Museo dell'Ermitage di San Pietroburgo
Paolina è raffigurata nelle sembianze di una Venere vincitrice. La donna, infatti, nella mano sinistra regge una mela che evoca la vittoria di Afrodite nel giudizio di Paride: quest'ultimo, nella mitologia greca, doveva scegliere a chi tra le dee Era, Atena ed Afrodite assegnare un pomo d'oro con sopra inciso «Alla più bella», e Paride lo concesse proprio alla dea dell'amore.
Paolina-Venere è languidamente semidistesa su un'agrippina, ovvero un divano fornito di un unico bracciolo, sulla quale ella appoggia il braccio destro. Il suo busto è nudo, mentre la parte inferiore del corpo è avvolta da una veste leggera che, scoprendo l'attacco dei glutei e sottolineando le pieghe dell'inguine, rende Paolina pudica e sensuale allo stesso tempo, caricando l'opera di un grande erotismo che sarebbe stato assai meno sentito se la donna fosse stata completamente svestita. Le fattezze divine e il volto idealizzato sublimano il corpo di Paolina al di fuori di ogni realtà terrena: è restituita alla dimensione umana solo grazie a una speciale patina rosa che Canova applicò sulle parti epidermiche della scultura, in modo da imitare il colore dell'incarnato e conferire all'intera opera una lieve parvenza di vita.
Dal punto di vista tecnico, invece, la statua di Paolina Borghese è caratterizzata dall'equilibrio tra le linee orizzontali e verticali - descritte dal letto - e quelle diagonali (individuate dal corpo di Paolina) e da una calibrata alternanza di pieni e vuoti. La staticità della scultura è bilanciata dalla torsione del volto di Paolina, che si presta a una visione a tre quarti; l'intera scultura è inoltre impostata su una linea fluida e sinuosa che, partendo dalle gambe di Paolina-Venere, si flette nella verticalità del suo busto.
La scultura, ad ogni modo, è impostata verso varie visuali, siccome ciascun punto di vista è in grado di regalare nuove bellezze scultoree: fu per questo motivo che Canova decise di inserire nel legno su cui poggia la statua un ingranaggio per farla ruotare, in modo tale che questa potesse essere osservata da ogni angolazione. In base alla direzione che l'opera assumeva, infatti, variava la quantità di luce che la investiva: in questo modo si determinavano giochi di luce e di ombre sempre differenti, facendo variare l'aspetto di Paolina all'infinito.
L'opera è ubicata alla Galleria Borghese , Roma.
La donna ritratta nel dipinto di Leonardo da Vinci siede rivolta a sinistra del dipinto. Il viso però è quasi frontale e lo sguardo diretto verso l’osservatore. Monna Lisa veste con abiti dell’epoca cinquecenteschi. Indossa una veste decorata con piccoli motivi a spirale nel bordo superiore che lascia scoperto il décolleté e sulle spalle porta un tessuto scuro. Il tessuto leggero crea una sottile plissettatura che scende con un panneggio fitto e parallelo. Le maniche sono attillate e fittamente pieghettate.
Le mani sono in primo piano e in basso. Il braccio sinistro è appoggiato sul bracciolo della sedia parallelo al bordo inferiore e le dita della mano seguono il profilo del legno. Invece la mano destra avvolge il polso sinistro e le dita si mostrano frontalmente assumendo una posa elegante. La superficie della pelle è morbida e levigata e mostra un leggero modellato anatomico delle dita come le unghie che sono appena accennate. I capelli sono scriminati al centro e ricadono ai lati in morbide e scure ciocche leggermente ondulate. Inoltre un velo leggero e trasparente copre l’acconciatura e appiattisce i capelli in alto.
Lo sfondo che si intravede oltre il parapetto, descrive un paesaggio lacustre disseminato di colline, rupi e montagne elevate. Le basi di due colonnine si intravedono ai lati del dipinto. A sinistra una strada serpeggia tra le alture rocciose e si perde dietro le rupi che costeggiano l’acqua. A destra invece un ponte ad arcate traversa un fiume che nasce dal lago che si trova più in alto e al centro del paesaggio. Verso l’orizzonte le strutture rocciose, il corso d’acqua e la vegetazione sono indistinte e si confondono nel grigio blu dell’atmosfera.
L'opera è conservata al museo del Louvre a Parigi.
La Nascita di Venere è senza dubbio una delle opere d’arte più famose ed amate del mondo. Dipinta da Sandro Botticelli tra il 1482 e il 1485, è diventata un simbolo della pittura del 400 italiano, così densa di significati allegorici e richiami all’antichità.
Il tema deriva dalla letteratura latina ed esattamente dalle Metamorfosi di Ovidio. Venere è ritratta nuda su una conchiglia che solca la superficie del mare; a sinistra volano i venti con una cascata di rose, a destra un’ancella (Ora) aspetta la dea per vestirla. Nel prato si scorgono delle violette, simbolo di modestia e spesso usate per fare pozioni d’amore.
Nell’opera si leggono anche dei riferimenti alla famosa opera poetica delle Stanze di Agnolo Poliziano, contemporaneo di Botticelli e massimo poeta neoplatonico della corte medicea. Il Neoplatonismo fu quella corrente filosofica che cercò una mediazione tra il l’eredità culturale greco-romana e la cristianità.
Vi si coglie quindi un significato filosofico legato al neoplatonismo: l’opera rappresenterebbe la nascita dell’Amore e della bellezza spirituale come forza motrice della vita.
L’iconografia della Venere è sicuramente derivata dal tema classico della Venus Pudica che timidamente si copre le parti intime e che trova un suo corrispettivo in scultura nella statua di Venere dei Medici alla Galleria degli Uffizi.
I Medici, del resto, sono i committenti dell’opera: la Venere come la Primavera e la Pallade apparteneva a Lorenzo di Pierfrancesco dei Medici, cugino del Magnifico.
E come Poliziano era un grande poeta di versi scritti, così Botticelli era uno dei più grandi poeti della linea e del disegno. Eccezionali sono la tecnica e i materiali del dipinto. L’opera è il primo esempio in Toscana di pittura su grande tela. Lo speciale uso di polvere di alabastro, inoltre, rende il colore luminosissimo e senza tempo.
Dietro l’interpretazione colta del dipinto si può sicuramente leggere un’ode alla famiglia fiorentina che commissionò l’opera: l’inizio del regno di Amore arriva a Firenze proprio grazie ai Medici e alla loro diplomazia e cultura.
Sandro Botticelli, in questo modo, regala alla storia dell’arte uno dei suoi più sublimi capolavori.
La nascita di Venere è conservata nel Museo degli Uffizi a Firenze.
La scultura raffigura Afrodite in posizione stante. La dea è priva di abiti e si copre il pube con la mano destra. La sinistra invece è posata su una idria decorata e trattiene la veste della dea. Afrodite è nuda perché si prepara per il bagno. Il gesto che compie rivela che è stata sorpresa da un osservatore. Infatti con la mano destra si copre il pube mentre con la sinistra posa o afferra la veste da un’idria poggiata su una base. Secondo altri studiosi invece la Venere ha appena terminato il suo bagno.
La statua di Afrodite Cnidia è un nudo cioè la rappresentazione artistica di un corpo femminile privo di abiti. Secondo gli storici si tratta del primo prototipo di nudo femminile della scultura greca. Infatti le statue arcaiche delle Korai sono coperte da chitoni come le statue di altre divinità dell’epoca classica ad esempio l’Amazzone ferita di Fidia. Prassitele, Afrodite Cnidia, Copia romana da originale del 360 a.C. ca., marmo, altezza 215 cm. Città del Vaticano, Musei Vaticani, Museo Pio-Clementino.
Uno dei più importanti reperti di arte antica in Europa è la Venere di Willendorf (dal nome della località austriaca in cui fu rinvenuta), che risale a 30.000 anni fa. Si tratta di una statuetta di 11 centimetri sulla cui composizione si è recentemente concentrato il lavoro dei ricercatori: sembra proprio che sia stata realizzata con un materiale che non era presente nell'area (l'attuale Bassa Austria) in cui fu ritrovata nel 1908. Si tratta in particolare di "oolite", una roccia composta da sferette calcaree di natura sedimentaria dal diametro inferiore a 2 mm. Questi corpuscoli sono composti da veli concentrici perlopiù di carbonato di calcio deposti intorno a un nucleo. Ad analizzare il materiale della Venere sono stati i due geologi Alexander Lukeneder e Mathias Harzhauser assieme, all'esperto di preistoria Walpurga Antl-Weiser, del Museo di Storia naturale di Vienna (che oggi ospita la Venere), che hanno pubblicato i loro risultati su Scientific Reports.
